交融的间隔
参展艺术家
12位
参展作品
48件
试图通过参展艺术家所具有的时代敏感度和未来预知性，将近三年国内外纤维艺术创作生态相对完整、集中地给予呈现，包括纤维艺术在全球化语境的相互交融的依存中，不断延伸与现实社会、日常生活、消费文化的介入性实践的殊异结果，以及构建纤维艺术在传统文化的传承与现代性转化上的新维度。
无边的抽离
参展艺术家
12位
参展作品
48件
在由材质、工艺、方法所形成的纤维艺术特征之下，将人生的纠结穿越于现实紊乱的底线，抽离于以往纤维艺术所形成的创作秩序和不确定未来的过度纠缠。抽离之线并非自我设限，而是以纤维之力超越纤维，以相对独立、成熟与完整的个人化作品形态，将纤维艺术的创作提升到相互交错、演绎、转化的过程中。藉此形成了这些难以终结的，并具有传统叙事的感应力、识别度，甚至紧张感的作品。
纤维的启示
正如所有的艺术形式一样，纤维艺术的实践者们努力拓宽纤维艺术 的边界，在材料、创作方式、表达以及呈现上寻找新的形式和语 言，以获得对于纤维本身更加宽广的思考维度。他们尝试将纤维这 种媒介以艺术之名开疆拓土。在他们一而再地解释他们在做什么和 为什么这样做是有价值的时..
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逾界的纠缠
参展艺术家
14位
参展作品
14件
意味的是纤维艺术在形而上的、不受边界限制的跨媒介创作，以及不断超越现有经验之外的纤维艺术的创作未来。尤其是高科技、新媒体对纤维艺术在媒介材料上的拓展和语言方式的探索，尝试着打破以往传统纤维艺术媒材的局限和静态的模式，以建立数字纤维、数码编织、智能织物、生物纤维等新媒体在当下和未来趋势所进行的多维交织与链接。藉此激发纤维艺术在更宽泛的、混生的，甚至不可预见的艺术实验过程中，持续逾界、创新的多元格局。
纤维逾界—— 一场技术追问下的当代艺术游戏
当作品变色时，按钮是暗的。 当作品休眠并变回暗淡时，按钮闪烁。 当按钮再次稳定亮起时，按它可以看到另一个图案。 如果不作解释，让读者依据这般描述去构建一种对纤维织物的想象，相信迎来更多的会是意外甚至是困惑。这段来自美国艺术家玛吉·奥思（Maggie Orth, 1964 — ）对她一系列以色温控制技术成就的人造电子织物的介绍，不仅透露出这届纤维艺术展别样景观的细节，也为本文开启了一个恰当的切口，得以顺应观者的好奇心进入话题核心：纤维逾界。
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第二皮肤
参展艺术家
2位
参展作品
2件
服装设计作为纤维艺术的一部分，与人类的日常生活息息相关，拥有无穷的种类和款式。而服饰又是我们身体的第二皮肤，也是公共领域与私人空间在身体上的间隔。既可以成为及时反映时代变迁后影响我们时尚生活的标识，也可以作为身份或身体政治的象征符号，承载着不同的文明和消费文化的样态。二位艺术家根据各自特定语境的创作，显示着她们对纤维材质、时装设计不同的传承、开拓和审美趣味，近距离地形成了一种“寻衣问道”式的对话、交流和差异、冲突的视觉场域。
第二皮肤
1981年，美国服饰心理学家玛里琳·霍恩（Marilyn J. Horn）在著作The Second Skin：An Interdisciplinary Study of Clothing（1991年中译版《服饰：人的第二皮肤》）中首次提出“第二皮肤”这个概念，一经提出，这个新词就成为“服装”的第二名称。从字面上看，“第二皮肤”这一概念至少有两层含义：一、强调人的本体性与服装的附属性；二、强调服装的重要性与必要性。简言之，人与服装，在今天的社会中，至少在公共社交领域中，两者相依共生。
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工作坊
参展艺术家
4位
参展作品
4件
纤维艺术与传统手工艺编织有着天然的联系，而工作坊是以开放的公共空间与观众所构成了一种互动参与的方式。从而使艺术家的创作观念和涉及到的社会现实问题，介入性地直接传递给观众，包括特殊群体于一种触手可及的感知之中。而艺术家作品或通过工作坊给予逐渐完成的过程本身，也就形成了具有带入感的互动现场，甚至成为改变生存境遇的一种社会化手段。这种面向公众的因材施艺的持续行为，既能唤起曾经的日常经验，也激发了观众对纤维艺术的触觉体验。抑或还延承和演绎了纤维技艺的手工传统，而成为过往记忆的温存情结，以及缝合工业文明，乃至数字时代格式化、碎片化的资源之一。
物超所值
参展艺术家
2位
参展作品
2件
针对时尚产业中的价值概念，二位艺术家/小组形成了不同的认知与艺术转化。卢麃麃小组充分利用服饰的边角料，经由繁复工艺制作出的12套西服，将“剩余价值”凭附了一种新的附加值。而李奈?怀博以行为艺术的方式，装扮成功商业女性的形象，并将她用过的时尚名牌服饰等有意地切割成碎片，反向地编织、制作成织毯、服装和佩饰。并通过作品、文字、照片等资料对这一过程进行了记录和呈现。她们这种具有明确的利用、消解或质疑、反讽的处理方式，开放了对“价值”概念的剥离、否定和重置的可能，又超越了原有价值而赋予了一种超然物外的审美价值。
物是？物非？
作为艺术家，个人背景和其所处的社会环境在创作中扮演了举足轻重的角色。来自广州的卢麃麃小组和瑞典艺术家李奈·怀博的作品正是对各种时尚产业里的元素，从功能和艺术性，再从社会、道德和政治的角度，进行了重新的解读，同时对时尚所采用的语言也提出了质疑。 如今更多的艺术家的创作焦点除了最后的作品，还放在了创作过程上。他们倾向于通过展示自己的思考方式和作品的发展过程——很多时候发展甚至会在艺术家预料之外——来得出最后的判断。来自全球服装服饰产品及所有关联材料的重要生产基地的中国珠三角地区的卢麃麃小组（由艺术家卢麃麃、王桦、何继丹、王莹四人组成，均为广州美术学院服装设计专业教师）对时尚产业的价值载体的理解深刻。
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尹秀珍：7天(三年展之平行展)
参展艺术家
1位
参展作品
6件
以一位具有代表性艺术家的个展，作为杭州纤维艺术三年展的一个单元是其展览结构的方式。这次我们邀请了尹秀珍。她根据场馆的现有条件，用七天时间、七个展厅，呈现了近年创作的七件作品。使用“七天”的间隔、次序和寓意构成了尹秀珍这次阶段性创作的研究性个案。她以纤维为主要媒介，或纤维的思维方式，通过收集、置换、拼接等各种织物，将个人经历、记忆痕迹和时代变化缝合、编织在一起，试图在现实的时空中寻找历时性的记忆，以时间的对位法来测度个体与社会之间复杂的关系。并在现场形成了置身于其中的感受与体验，营造了我们共同经验的“集体潜意识”。
长在故事丛林里的线头
那些不善于过分阐释的艺术家，总会把“故事”缝在作品的纹理中。 在编辑画册的时候，我们会建议（或要求）艺术家为自己的作品提供一则简短的作品说明，让读者/观众在理解时能找到些许“线头”。我们希望艺术家提供的说明不夹杂任何主观修饰，像作品标签或者工业产品的说明书一样，客观、准确、冷淡。艺术家完全没有抵触情绪，当代艺术中的思想深度和广度与作品的综合性是交织在一起的，艺术家选用的材料、手法、样式及理由，都隐藏着不同的线索，只有把“线头”抽开才有可能往里瞧瞧。关于作品本身，尹秀珍已经做了详细的说明，我想做的是在此之外试着找出这些作品之间的关联状态及其背后的成因。
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